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Día 24 - Última película que vi en cine

MIDNIGHT IN PARIS de Woody Allen


La casualidad me vuelve a hacer hablar sobre mi adorado Woody. Nunca voy a ser objetiva al hacerlo porque todas sus películas me parecen perfectas. Esta última lo fue también. Salí de la sala bastante feliz, con ganas de saber más sobre esas numerosas referencias que hace en la película: literatura, poesía, pintura, música, historia. Salí con ganas de ver aún más cine, de ir a Paris, de volverme a ver toda su obra. Es simplemente hermosa, una película bastante parecida a los sueños. Una fábula fantástica al mejor estilo de La rosa púrpura del Cairo. Una película que nos da pistas de todos sus referentes, influencias y origen de su propia obra.


Dicen que Woody Allen siempre hace la misma película. Y usan ese argumento para criticarlo a él o a otros genios del cine. Pero para mí siempre es una cualidad. Es lo que conforma su obra. Lo que lo convierte en artista. Me encanta que sea consecuente, que tenga un estilo marcado, que hable de los mismos temas y que él siempre esté en sus películas ya sea encarnado por él mismo o por sus alter ego tan bien dirigidos.
El único detalle mínimo que tengo para reprocharle es la forma en que mostró al director de cine Luis Buñuel. Lo muestra pusilánime, tímido, callado, de voz bajita y un poco lento para  pensar y reaccionar. Mejor dicho, el polo opuesto a lo que en realidad fue. Me extrañó porque él admira bastante a Buñuel. Pero como es Woody, nuevamente le perdono todo.




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Día 23 - Película con mejores efectos especiales

¿QUIÉN ENGAÑÓ A ROGER RABBIT? 
de Robert Zemeckis


Puede que hayan muchas películas con mejores efectos, más tecnología y más innovación. Pero ésta es no sólo una de las primeras películas que vi en cine en mi vida, sino también la primera que vi con efectos especiales.  En el año 1988 esta combinación de actores reales con dibujos animados  era algo totalmente innovador. Además los dibujos eran hechos a mano, cuadro a cuadro sin la ayuda de ningún computador. Para filmarla se construyó una nueva cámara de fibra de vidrio, se usaron varios tipos de película y sensibilidad y muchísimas maquetas para poder mezclar lo real con la animación.
Cuando me senté en la sala de cine a los 7 años no podía creer lo que estaba viendo, no entendía cómo lo hacían y llegué a pensar que había un mundo real posible en el que yo pudiera interactuar con dibujos animados. Era un sueño de niño hecho película.

Los efectos especiales fueron la razón principal por la que a los 9 años dije que algún día estudiaría cine. Partió de la curiosidad como siempre, de ese afán por saberlo todo. Necesitaba saber cómo habían hecho ¿Quién engañó a Roger Rabbit? Estaba sentada con mi papá viendo un making of de "Querida encogí a los niños" en televisión. Vi que en lugar de encoger a los actores, ayudándose de algún efecto, lo que hacían era agrandar los objetos y toda la escenografía para que ellos se vieran pequeños. ¡No lo podía creer! Era lo más parecido a la magia, cosa que me encantaba desde chiquita. Veía la gente que estaba detrás de cámaras haciendo todos ese montaje y para mí eso significaba trabajar divirtiéndome. Le pregunté a mi papá "¿Qué hay que estudiar para trabajar haciendo esas cosas?", "Se estudia cine pero aquí es difícil". Desde ahí tuve esa idea fija.
Mi amor por el cine es simple, nació de esa curiosidad por descubrir cómo se hacían las cosas, esas ganas que siempre tuve de pararme detrás de la mesa del mago y enterarme de todos sus trucos. 



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Día 22 - Personaje con quien me siento identificada

DESPEDIDAS


El cine me apasiona más que todo por esto, por el poder de identificación que puedo tener. Cuando una película no me conecta con nada, ni con personajes, ni situaciones, ni historias no me puede gustar. Si no me involucra de alguna forma no me llego a aferrar a esa película. Y no necesariamente tiene que haber una réplica ahí mía en la historia, sino que me tengo que conectar, de cualquier forma. 


Precisamente hoy que cumplo 30 años me toca pensar en la categoría más difícil, y pensar en personas y personajes, historias y momentos de mi vida para poder elegir estas escenas.


No elegí un personaje. Decidí, sin entrar en detalles, escoger estas escenas que reflejan situaciones en las que me vi refelejada numerosas veces. Y voy a ser repetitiva porque estas películas ya las comenté varias veces en otras categorías, una y otra vez. Y es por eso, porque cuando me identifico con una película o personaje es inevitable enamorarme de esas películas. Así, como es el amor, irracional. Así sea una mala película, así tenga un guión malo, así sea aburrida, así sea lenta si me veo ahí es imposible olvidarla.
Me he sentido identificada con estas escenas, aunque no con todos los rasgos y el carácter de los personajes. El hecho de vivir en otro país ha implicado que muchas veces me haya tenido que despedir así. Y tal vez sea una de las razones por las que odio las despedidas. 


Final de Lost in Translation

Final de Casablanca

Final de Before Sunset


Los puentes de Madison

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Día 21 - Película más miedosa

EL EXORCISTA de William  Friedkin


El terror es uno de mis géneros favoritos. No hay nada más emocionante para mí que ir al cine a ver una película de terror. Siempre tuve que verlas con mi mamá, porque mi papá tiene un pequeño trauma con este género y precisamente es culpa de El Exorcista. La última película de terror que vio en su vida y obviamente mi favorita.

Aún eran novios cuando en el año 73 fueron al estreno de la película en el teatro El CID en el centro de Medellín. Mi papá casi se muere de infarto en esa película, estuvo a punto de salirse de la sala pero aguantó. Salió con mi mamá y todavía era de día. Caminaron hacia la calle Argentina, donde vivían en el centro. De repente vieron un bus está atropellado contra un poste de luz, dado vuelta y con gente gritando, gimiendo y llorando. Como es normal había un círculo de gente chismosa alrededor de la escena del accidente. Y como es normal, mi mamá obligó a mi papá a acercarse a pesar de su negativa. Había gente atrapada que gritaba entre el bus destruiddo, y el poste con los cables de alta tensión que habían quedado ya en el suelo.  Todavía no habían llegado ambulancias y alguien se lanzó de voluntario a ayudar y gritó "¡Necesito a alguien flaquito que quepa entre esta ventana del bus y ayude a sacar a ese que está atrapado ahí!", efectivamente un "flaquito" se ofreció e intentó entrar por la ventana para ayudar a sacar los heridos, pero de repente se cayó sobre los cables de alta tensión y se electrocutó hasta morir. Según mi papá el tipo se acostaba y se doblaba exactamente igual que la niña del Exorcista. "No le faltó sino girar la cabeza completamente", dijo mi exagerado padre. Todos se quedaron impávidos viendo ahí la muerte del "flaquito". Y mi papá sólo pensaba en la escena de la niña del Exorcista saltando sobre la cama y vomitando. Durante muchas noches no durmió y esa imagen, más terrorífica que el propio Exorcista, se le quedó grabada para siempre. Fue su primera y última película de terror. Y él, que  fue el culpable de mi pasión por el cine quedó odiando mi película favorita de terror. 




Ahora, con la mini sala de cine que se armó en su casa, sólo ve películas de guerra, ciencia ficción o acción. Y cuando voy a Colombia a visitarlo, con esa pantalla gigante y ese buen sonido sólo quiero ver películas de terror. La última vez no lo pude obligar a ver Drag me to hell, de Sam Raimi, que también ha sido una de las que más me ha asustado. En el fondo sé que a pesar de todo disfrutaría del buen montaje, el buen guión, el sonido y los efectos. No me canso de verla. Algún día lo convenceré.



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Día 20 - Película aburridora

PETER GREENAWAY

No elegí una sola película de este director porque sería injusto decir que SÓLO una es aburridora cuando en realidad lo son todas. Creo que en las que vi de él o me quedé dormida o me desconcentré como mejor lo sé hacer. Ahora no puedo hablar mucho de él porque obviamente lo dejé de ver hace años y además tengo ese talento para olvidar lo malo y lo aburrido. Sólo sé que este director galés es bastante sobrevalorado y que Zoo, Escrito en el cuerpo, The Falls o Conspiración de mujeres son películas que debí haber evitado.

Algunos amigos míos cinéfilos me dirían que el más aburrido es Eric Rohmer, me joden porque es uno de mis preferidos y les parece "embolante" como dirían ellos, pero a mí no me parece en absoluto. En sus historias realistas y cotidianas nos vemos reflejados siempre y cuando eso pasa es imposible aburrirse. Greenaway tiene un universo ajeno al mío, pretencioso, sacado de otro planeta que para mí es barroco, ostentoso, rebuscadísimo y aburrido. No puedo decir mucho más. Definitivamente el peor pecado que se puede cometer en cine es aburrir.  


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Día 19 - Mejor película de ciencia ficción

SOYLENT GREEN de Richard Fleischer


Lo primero que pensé en poner fue 2001: Una odisea del espacio, de Stanley Kubrick. Otro director que me encanta, que es totalmente perfecto y del cual se puede decir tanto que me produce el efecto contrario, me quedo muda ante cualqueira de sus películas. No me siento en capacidad de hablar de él ni de Malick. La perfección misma. Pero además me cansé de hacer acá listas de "mis directores favoritos", a la final terminé como con ciento ochenta mil directores favoritos. Así que decidí cambiar por ese motivo y por éste: Odisea es una buena película, es perfecta en todo sentido, pero jamás me emocionó o impactó tanto como sí lo hicieron distopías como Soylent Green, Blade Runner, Metrópolis, Doce monos, o A Scanner Darkly la adaptación de Philip Dick que filmó Richard Linklater.

Ver esas películas distópicas me afecta demasiado. Y para mí el cine bueno es el cine que emociona, que te deja pensando, que te hace cuestionar cosas por mucho tiempo, tal vez para siempre. Y ninguna de ciencia ficción me afectó tanto como Soylent Green, del año 1973. La vi hace mucho tiempo y lo volví a hacer hace poco y tuve pesadillas toda la noche como si nunca la hubiera visto. Fue peor que ver una película de terror. En Nueva York, en el año 2022 la población es de más de 40 millones de personas. La comida ya no alcanza para alimentarlos así que se produce artificialmente en fábricas. Las opciones para la cena son Soylent Blue, Soylent Yellow o Soylent Green. Pero cuando un ejecutivo de la empresa Soylent aparece muerto, [spoiler] el detective Thorn debe investigar el caso y en un devastador final se entera que en realidad "Soylent green is people". Una frase que quedó grabada en la historia del cine. Pero igual eso podría no haber sido un spoiler precisamente por eso, porque es una frase legendaria, aparece en todo tipo de merchandising, chistes, guiños en otras películas, incluso en Los Simpsons hicieron chistes sobre ella. La atmósfera es la mejor creada que vi en una película, totalmente terroífica. Ese tono amarillento del efecto invernadero, la gente sucia, con hambre, amontonada, durmiendo en las escalas de los edificios, en las calles; la ropa de los ciudadanos, como uniformados, con sus gorritos; esa imagen fatal de las retroexcavadoras levantando y aplastando gente; el polvo en la calle, ese tono árido que con sólo ver la ciudad te da sed y en el fondo sabés que tampoco hay agua, no hay nada. La falta de comida, el hecho de que un frasco de fresas valga us$140 o que un pedazo de carne sea sólo para la gente multimillonaria y ¡cómo mira la gente esa comida! ¡Cómo hacen lo imposible para robarla! Para probar aunque sea una gota de eso que en el pasado despreciábamos y tirábamos a la basura. Una película sobre un futuro negro que podría ser realidad. Fuerte, muy fuerte.


 

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Día 18 - Película que me haya decepcionado

LA NOVENA PUERTA de Roman Polanski


Creo que cuando vi por primera vez esta película no sabía que era de Polanski. Por eso, simplemente pasó como una película tan mala como otras tantas. Pero cuando me enteré que fue dirigida por él en 1999 me llevé una triste sorpresa.

Después de ver todo lo que hizo Roman Polanski puedo afirmar que esta es la peor de todas. En ésta se lanzó a adaptar a Arturo Pérez-Reverte y su novela "El club Dumas". Y a pesar de que no la he leído, es una historia que se prestaba para mucho y para que Polanski pusiera en juego muchos ámbitos que domina. Pero así esté bien o mal adaptada la película sigue siendo terrible. Llena de vacíos en el guión, muy predecible , mal filmada, puestas en escena pésimas, el suspenso mal planteado y escenas que pretenden generar miedo en el espectador lo único que terminan provocando es risa.
Y lo que sorprende aún más es que sea un director que domine el género, y que haya hecho películas tan geniales como El bebé de Rosemary, El inquilino o el Baile de los vampiros. Sorprende que un grande del cine haga una película de principiante, así como me soprendió Juventud sin juventud o Tetro de F.F Coppola. De nuevo, elegí a otro director que admiro bastante porque ésta fue una gran decepción. No escogería nada de uno que ya de por sí me parezca malo y no espere nada de él, o una película de Hollywood que lo único que pretenda es vender entradas. Después, obviamente, Polanski se reivindicaría con grandes películas como El pianista o El escritor oculto.


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Día 17 - Mejor banda sonora

AMARCORD de Federico Fellini


El título que quería poner en realidad era así, en mayúsculas: NINO ROTA. Ésta es una de las mejores bandas sonoras para mí pero en realidad todo lo que compuso Rota para cine es más que perfecto: El Padrino,  El Gatopardo, Rocco y sus hermanos, Noches blancas, Guerra y paz, Muerte en el Nilo, Mucho ruido y pocas nueces, entre muchísimas más películas.

Aunque también podría poner que todas las películas de Fellini (otro de mis directores favoritos) tienen las mejores bandas sonoras, pues Nino Rota participó en muchas de ellas: 
Ocho y medio, La dolce vita, Roma, Los inútiles, El jeque blanco, El Casanova, La Strada, Fellini Satiricon, los Clowns, Il Bidone, Giullietta de los espíritus, Ensayo de orquesta y su cortometraje en Boccaccio '70. Uno de los más geniales compositores para cine junto a Ennio Morricone y Bernard Herrman. 

Nino Rota

Aquí unas palabras de Federico Fellini sobre su compositor Nino Rota:

"Mi predilección por Rota como músico se basa en que le encuentro muy próximo a mis temas y a mis historias, y en que trabajamos juntos (no me refiero a los resultados sino al modo de trabajar) muy bien. No le sugiero los temas musicales porque no soy músico. Sin embargo, como tengo una idea bastante clara de la película que estoy haciendo, incluidos los detalles, el trabajo con Rota se efectúa exactamente igual que la elaboración del guión. Me pongo cerca del piano en el que se instala Nino y le digo exactamente lo que quiero. Naturalmente, no le dicto los temas; sólo puedo guiarle y decirle justamente lo que deseo. De todos los músicos que trabajan en el cine, él es, a mi parecer, el más humilde."



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Día 16 - Mejor película romántica

 LOS PUENTES DE MADISON de Clint Eastwood



La elegí porque hay una escena en especial que hizo que se me quedara grabada en la piel esta bella y conmovedora película dirigda por el gran Clint Eastwood. 
Casi al final hay una secuencia bastante intensa en medio de la lluvia. Francesca (Meryl Streep) va de pasajera en el auto con su esposo. Se detienen en un semáforo en rojo. Al frente de ellos está la camioneta de Robert (Clint Eastwood), fotógrafo de la National Geographic, amante de ella durante su corta estadía en Iowa, y que está a punto de irse para siempre. La tensión en esta escena es digna de un genio. Robert se quita del cuello la cadena con la cruz que ella le había regalado y la cuelga en el retrovisor. Ella lo mira. El semáforo pasa a verde pero Robert no avanza. El esposo de Francesca pregunta: "¿Qué está esperando?". Robert mira por el retrovisor a Francesca, y con una sola mirada le dice que la está esperando a ella, que se anime a bajarse del carro y subirse con él e irse de allí para siempre. Ella pone su mano sobre la manilla de la puerta y la gira para salir, pero duda. Mientras ella duda transcurren unos segundos que parecen siglos. Finalmente suelta la mano y decide quedarse para siempre con su esposo. Sin manipulación ni artificios y con ese lirismo y sencillez propios de Eastwood, nos muestra cómo un segundo puede eternizarse y hacernos tomar una decisión devastadora para el resto de la vida. Ella sabe que lo ama, eso no lo duda, sabe a dónde la llevará su deseo, pero sabe también lo que debe hacer, así que se queda continuando con su simple y rutinaria vida, carente de amor.


Ésta película podría ir también en la categoría de "Mejor escena" o "película para llorar". Sin duda es una de las mejores de Clint Eastwood, y una de las más románticas. Un tema que nunca se agotará en cine es este sobre amores inconclusos. Podría elegir también en esta categoría otras películas sobre amores inconclusos en ciudades ajenas a las de los personajes como Antes del amanecer de Richard Linklater, Perdidos en Tokyo de Sofia Coppola o el clásico Casablanca y su legendaria frase final: "We'll always have Paris". Definitivamente me apasionan este tipo de historias en el cine y Los puentes de Madison es una de las que mejor lo logra. 





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Día 15 - Primera película que vi en cine

EL LIBRO DE LA SELVA


No me pregunten por qué pero la primera película que vi en cine fue "El libro de la selva" en el Teatro Junín de Medellín, a pesar de que la película es del año 67. Soy vieja pero no tanto. Tal vez estaba en una de esas funciones matinee continuas para niños. Mi tía Mary me llevaba caminando todos los fines de semana desde Boston, el barrio donde vivía ella con mis abuelos, hasta el edificio Coltejer, en la calle Junín donde quedaba el teatro. Hoy hablé tanto con ella como con mi papá y a los dos les pregunté qué película había visto yo por primera vez:

Mi papá me contestó "¡No! No tengo idea con quién fuiste a cine por primera vez ni qué viste. No me digás que fue conmigo porque no me acuerdo de nada! Sólo recuerdo que Quién engañó a Roger Rabbit sí la viste conmigo".

Mi tia me contestó: "La primera película a la que te llevé fue en el Teatro Junín, pero creo que se llamaba El campeón".

Busqué por todos lados y sólo encontré una película con ese nombre en el año 79 y en ese año ni había nacido.  Pero a pesar de todo empecé a dudar porque mi pésima memoria no puede ni competir con esa memoria prodigiosa que tiene mi tía. Tal vez nos quedemos las dos siempre con la duda. Lo único que tenemos seguro es que fue en el Teatro Junín, al que fuimos ella y yo durante muchísimos años y que desafortunadamente desapareció como todos los teatros del centro de Medellín.








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Día 14 - Una película para llorar


 EL SABOR DE LAS CEREZAS
de Abbas Kiarostami
 

El sabor de las cerezas es el viaje interior que hace un personaje que ha decidido suicidarse y que busca a alguien que lo pueda enterrar dignamente.

En esa búsqueda se encuentra distintos personajes con quienes siempre termina hablando sobre el sentido de la vida. Uno de esos, es un viejo que también estuvo a punto de suicidarse alguna vez y le cuenta su historia:

- Le contaré algo que me ocurrió a mí. Fue justo después de casarme. Teníamos todo tipo de problemas. Estaba tan harto que decidí acabar con todo. Una mañana, antes del amanecer, guardé una cuerda en mi coche. Lo tenía decidido, quería matarme. Salí hacia Mianeh. Fue en 1960. Llegué a las plantaciones de cerezos. Paré allí, estaba aún oscuro. Tiré la cuerda alrededor de un árbol, pero no encontré el lado opuesto.  Lo intenté una y otra vez, pero no hubo manera. Así que subí al árbol y até la cuerda con fuerza. Entonces sentí algo suave bajo mis manos. Cerezas, cerezas deliciosamente dulces. Me comí una, luego una segunda y una tercera. De repente, me di cuenta que el sol estaba saliendo sobre la cima de la montaña. ¡Menudo sol, menudo paisaje, todo verde! En ese mismo instante, escuché a los niños saliendo hacia la escuela. Se paraban a mirarme. Me pidieron que agitara el árbol,  las cerezas caían y se las comían. Me sentí feliz. Recogí algunas cerezas para llevarlas a casa. Mi mujer seguía durmiendo, cuando se despertó, también comió cerezas, y las disfrutó. Había decidido matarme y volvía a casa con cerezas. Las cerezas me salvaron la vida, una cereza me salvó la vida.

El viejo sabio, sin embargo, le promete que le ayudará a enterrarlo dignamente.

Este diálogo, que además explica el título de la película, me impactó tanto como esta escena que subo a continuación y que refleja totalmente el deseo del personaje principal. Una imagen bastante fuerte que podría resumir toda la historia, esa que contrasta tan bien ese sentimiento de desolación con las pequeñas cosas que le dan sentido a la vida.


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Día 13 - Una película de intriga política

ON THE WATERFRONT - Elia Kazan

En el primer director que pensé fue en Costa-Gavras. Este tema ha sido digamos su especialidad pero Z, la película de la que quería escribir, la vi hace mucho y no me siento tampoco en capacidad de hablar de este director. Elegí Nido de Ratas de Elia Kazan porque es importante por muchos motivos. Es una intriga política pero dentro de una empresa. Dentro del sindicato de un muelle, que implica mafia, asesinatos, robos, enredos amorosos y violencia. Es importante porque se puede ver una de las mejores actuaciones de Marlon Brando, que encarna a Terry Malloy un ex boxeador en decadencia que por culpa de su hermano termina involucrado en los negocios corruptos del sindicalisa Jhonny Friendly. Terry termina siendo cómplice del asesinato de un obrero que simplemente pidió indemnizaciones y un trato justo de parte de sus patrones. Terry se enamora de la hermana del obrero muerto y esto desencadena la culpa y el cambio de Terry que debe tener el valor de delatar a la policía la corrupción, los delitos de Johnny y tanta suciedad. 
Pero más que la corrupción y el sindicato lo esencial de esta película es ese personaje que siente que pudo haber sido algo más, que pudo haber llegado lejos y que ahora busca su redención. 

También me parecía una película importantísima porque es una de las grandes obras de Kazan. Es un director que admiro demasiado, y esta película tiene unos de los únicos diálogos que he memorizado en la vida. La ví hace muchísimos años por primera vez y después me daría cuenta que era una de las escenas más famosas en la historia del cine. 

Este diálogo, para mí, simboliza casi todos los personajes principales de las películas de Kazan. Personajes con sueños truncados, fracasados, en decadencia, incomprendidos, que no encajaron nunca en ningún lado. Charley entra a un taxi con su hermano menor Marlon Brando, a quien quiere matar porque éste se quiere rebelar y escapar de todo ese nido de ratas en que él mismo lo metió. Pero Brando, con esa mezcla de ternura y dureza, lo desarma y lo hace cambiar de parecer diciéndole:

"You don´t understand,
 I could have had class!
 I could have been somebody instead of a bum,
 which is what I am, let´s face it."

"I could have been somebody". Una frase que podría definir todos los personajes de Elia Kazan.







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Día 12 - Mejor comedia

SOME LIKE IT HOT de Billy Wilder


No puedo decir mucho ante una obra maestra de uno de los directores con mejor sentido del humor en la historia del cine. La he visto mil veces y no me canso de reír con esta parodia de películas de gangsters, y con las grandes actuaciones de Tony Curtis, Jack Lemmon y Marilyn Monroe. Nadie es perfecto salvo Billy Wilder.



*Película que tiene las peores traducciones: "Con faldas y a lo loco" o "Una Eva y dos Adanes" (por sin o la encuentran).

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Día 11 - Peor película

TETRO de Francis Ford Coppola



Películas malas hay bastantes. Y lo que parecía una categoría fácil la compliqué bastante porque en realidad todos los días vemos películas muy malas y podría escoger cualquiera.
Pero aquí quise elegir una que fuera de un gran director, con muy buenos actores y con grandes pretensiones. Además, en lo primero que pensé cuando leí "Peor película" fue en Eliseo Subiela así que para no elegir algo igual a otra categoría me decidí por un maestro, el grande Francis Ford Coppola haciendo una película totalmente "subielesca" en la ciudad de Buenos Aires: Tetro.

Ésta es  una película que parece la ópera prima de un director cualquiera, bastante aburrida con un guión lleno de errores de principiante. Los personajes no tienen un objetivo claro, no saben ni lo que quieren, y tampoco se justifica que la historia se desarrolle en esta ciudad.
Aunque él mismo confesó, cuando fue a mi escuela de cine a dar una conferencia, que la razón principal por la que había venido a vivir unos meses a Argentina era porque estaba en el negocio del vino y había comprado unos viñedos en el sur y aprovechó para filmar una película mientras estaba pendiente de su negocio. ¡Eso explica muchas cosas!


Coppola anuncia durante meses de rodaje un casting impresionate pero el resultado es una mala dirección de actores y el desperdico de talento de grandes actores argentinos y extranjeros como Vincent Gallo, Maribel Verdú, Carmen Maura, Rodrigo de la Serna.  Eso sin contar los miles de problemas de rodaje, actores y equipo muy mal pagados con horarios de rodajes muy extensos y sin recibir nada por sus horas extras. Es un gremio que terminó casi odiando a Copopla. 


Es una película aburridísima, con situaciones totalmente inverosímiles, con los mismos clichés en los que cae hollywood al mostrar a San telmo como un Brooklyn en la década de los 40 y al mostrar personajes que están en la Boca y cruzan la calle y se encuentran en el Café Tortoni, en otro barrio que en la realidad es bastante lejos. Coppola filmó una película en Buenos Aires pero en los últimos que pensó fue en los espectadores argentinos. Eso que muestra ahí no es ni parecido a Buenos Aires.


Elegí a Coppola porque precisamente me encanta, porque dirigió una de las películas que más veces he visto en la vida y más me han gustado. Por eso me parece raro que nos sorprenda con esto. Ya me había defraudado con Youth without youth, ahora lo hizo con Tetro. Esperemos que no nos defraude con Twixt una especie de homenaje a Edgar Allan Poe (que no lo haga con este tema por favor!) que está en post-producción.

El trailer definitivamente es una obra maestra porque hace ver la película buenísima. Es tal vez lo único bueno que tiene Tetro:




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Día 10 - Escena favorita de una película


EL DISCRETO ENCANTO DE LA BURGUESÍA 
 de Luis Buñuel




El Coronel invita a todos los protagonistas a una cena elegantísima. Al mesero se le cae la bandeja con dos pollos, al agarrarlos nos damos cuenta que son de hule. El mesero pone la bandeja en la mesa y un invitado pregunta si es una broma. De repente pasa algo peor que una broma, se sube un telón y se dan cuenta que están es en un escenario siendo los personajes de una obra de teatro que apenas comienza y que tiene un público totalmente numeroso. Nadie entiende nada. Es una situación absurda. Algunos se paran y se van, otros se quedan. El apuntador, escondido en el escenario, ve muy callados a los (ahora) actores así que le recuerda a cada uno las líneas que deben decir y ellos obedecen repitiendo los diálogos. Sin entender qué papel representan ni a qué obra de teatro pertenecen. Simplemente genial.




Cuando la vi por primera vez llegué a sentir lo mismo que sienten esos personajes. Buñuel siempre descoloca al personaje tanto como al espectador. Y los sueños en sus películas mezclan lo real y lo onírico de tal forma que no se nota la diferencia y a veces no se sabe a qué plano pertenece. En esta película en especial, Buñuel y su guionista Jean Claude Carrière, dieron rienda suelta al surrealismo puro, justificándolo como sueños de los personajes para lograr una crítica divertida y ácida a la burguesía. No creo que haya otro director que haya representado tan bien los sueños en cine, ni que haya sido tan consecuente con el surrealismo de principio a fin.  

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Día 9 - Película del director favorito

CRÍMENES Y PECADOS de Woody Allen

Como ya elegí la película de mi director favorito en el día (La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock), escogí ésta de otro director que me gusta bastante. Un nuevo clásico, la gran obra maestra de Allen a mi parecer. Es un director que combina perfectamente los géneros que me apasionan: la comedia, el drama, el suspenso. Y en esta película lo logra perfectamente. 


Es bastante difícil elegir sólo un director. 
Me quiero dar la libertad acá de escoger otras de mis directores favoritos. 
Ahí me disculpan:

Luis Buñuel: Tristana.
Eric Rohmer: El rayo verde.
Stanley Kubrick: Ojos bien cerrados.
Billy Wilder: Sunset Boulevard.
Terrence Malick: Days of Heaven.

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Día 8 - Película más cursi

NO MIRES PARA ABAJO.
PARA HACER EL AMOR COMO DIOS MANDA
de Eliseo Subiela


¿Hay que agregar algo después de semejante título?
En realidad sí, porque la película llega a ser aún peor de lo que suena.
Lo difícil de esta categoría no fue pensar en el título sino escoger cuál de todas las películas de Eliseo Subiela podría ser más cursi. Elegí “No mires para abajo” porque por trabajo la tuve que ver muchísimas veces en cine y DVD. Y la gocé y la sufrí como ninguna película, así que aprovecharé este momento para hacer catarsis. La primera vez me reí como si se tratara de una comedia porque no podía creer lo absurdo que era, pero la última vez, sentada en mi oficina, lloraba sangre.


Citaré textual la sinopsis para que vean que, ni siendo objetivos, deja de ser cursi:
“Eloy es un joven sonámbulo que cae del techo, como un regalo del cielo, en la habitación de Elvira quien lo iniciará en el mundo del sexo tántrico. Casi como un libro de educación tántrica el filme tomará el rumbo de la búsqueda hacia el placer compartido. Puede definirse como la historia de amor entre un muchacho que anda en zancos y la nieta de una bruja. O también la narración de cómo una aventura de verano acaba convirtiéndose en un manual de sexo tántrico”.

Película llena de magia, fantasía, metáforas y alegorías innecesarias, simplistas y cursis. Hay escenas que infortunadamente jamás borraré de mi mente:
-Esa metáfora irrisoria en la que Eloy va constantemente a la ferretería donde trabaja la ex amante de su papá a pedirle “una tuerca para este tornillo”.
-Las campanas y las ciudades que “visita” mágicamente Eloy cuando está llegando al orgasmo. “Viaja” a Roma, París, Venezia y Medellín. ¡En serio! ¿Medellín? ¿Era necesario?
-Los nombres de las posiciones sexuales.
-Los nombres que Eloy y Elvira le ponen a sus genitales. (La de ella "el valle dorado")
-Eloy disfrazado de empanada en las calles y los chistes sin gracia al respecto.
-Los ejemplos que Elvira da en sus lecciones de sexo tántrico.
-Eloy caminando por ahí en zancos y enseñándole a su novia. (Lo peor es que hasta esto lo use como “metáfora” de algo).

En conclusión también la pondría en “peor película” porque  me faltaría hablar de la pésima actuación, los malos dálogos, el desastroso guión y los imperdonables errores técnicos. 

*Jamás olvidaré el día en que vi en vivo y en directo a Robert McKee (guionista y teórico) diciéndole a Subiela que lo admiraba demasiado y le encantaban sus películas. Casi entro en shock.


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Día 7 - Escena más grotesca

SALÓ O LOS 120 DÍAS DE SODOMA  
de Pier Paolo Pasolini

No creo que haya escena más grotesca en el cine que esa en la que los raptores obligan a sus víctimas a comer su propia mierda en Saló, película del italiano Pier Paolo Pasolini, (director que admiro más por lo que escribió que por lo que filmó). La película hace un paralelo con el infierno de Dante, en el que están por ejemplo, el Antiinfierno, el Círculo de sangre, Círculo de las manías y el Círculo de la mierda. Puedo hablar muy poco de la película porque la vi hace 11 años así que, afortunadamente, recuerdo poco.

Pasolini usó esto como una metáfora para criticar los alimentos producidos en masa, los cuales él llamaba "basura inútil". El hecho es que metáfora o no tiene bastantes secuencias desagradables y no sólo relacionadas con la mierda. Todo su sustento metafórico y alegórico pero grotesco al fin y al cabo. Aunque esa escena fácilmente puede ser superada por la de Pink Flamingos donde a Divine le hacen comer realmente la mierda de un perrro. Y sin trucos de cámara, ni montaje ni efectos.



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LA GRAN COMILONA de Marco Ferreri

También hay películas, no sólo escenas, que se pueden enmarcar totalmente en este género grotesco.  Por ejemplo está  la genial película de Marco Ferreri, La Gran Comilona, una película bastante controvertida que mezcla lo escatológico, el sexo y la comida; y que se ha interpretado de muchas formas. Es la historia de cuatro amigos que se encierran en un chalet parisino a comer y tener sexo hasta morir. La maestra de ceremonias del bacanal es una ninfómana que finalmente es la única que sobrevive a los excesos y a la orgía. 


La crítica la interpretó de mil formas: apología al suicidio, crítica a la sociedad de consumo, "monumento al nihilismo", o una paradoja entre los excesos y el placer. Hasta qué punto se puede tener placer excediéndose en la satisfacción que da la comida y el sexo. 


 

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